本文摘要:随着城市氛围的提高,走出博物馆、美术馆观赏艺术展出沦为更加多市民不会自由选择的休闲娱乐方式。

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随着城市氛围的提高,走出博物馆、美术馆观赏艺术展出沦为更加多市民不会自由选择的休闲娱乐方式。这其中,名家大师展和沉浸式艺术体验展在当下毫无疑问受到了更加多的注目,而6月22日在中国国家博物馆举行的“心灵的飨宴——梵·低艺术沉浸式体验”(以下全称“梵·高展”)则将这两类展出精妙地融合在了一起。也于是以因此,在国博一楼大厅等候转入展厅的观众队伍排列成了长长的好几佩。比起大师展览必须更高的艺术修养和更加多的科学知识储备,沉浸式艺术展则没那么低的门槛,反而是常常通过令人目眩的各种科技手段,希望助长艺术作品、艺术家和普通大众之间的隔阂,获释艺术的各种创造力,使艺术南北更加普遍的领域。

随着沉浸式艺术展沦为一种时尚潮流,人们不已不会回答,它为何如此疯狂?它对艺术的发展获取了哪些赋值?琳琅满目的沉浸式艺术展知道各有千秋吗?在这种大不受欢迎的背后,也不存在着一些令人担忧的因子,例如,相比于高昂的票价,它的内容否知道能和票价平面?在“耀眼科技”“沉浸式”“网红展”的点评噱头下,我们应当捕猎什么,以及如何预测它的未来之路?从观赏到体验的旋转沉浸式展出往往是让观众厝身于一个特定空间内,运用数字化虚拟世界技术制备并重构世界,通过艺术情境的融合,为观众建构出有一个全新的心灵场域。这并非近几年才经常出现的新概念,早于在上世纪初,艺术家就早已开始尝试生产沉浸式的直观体验。2016年10月,美国惠特尼美术馆举行“梦境:沉浸式电影和艺术”专题展览,就原始呈现出了沉浸式展出这一形式的历史发展轨迹。

科技感、互动性、趣味性是沉浸式艺术展的最重要特点,也是它比起普通艺术展更加能更有大众的最重要原因。科技的前进、设备的改版,让艺术作品显得更加生动,观众在这样的场域中能更进一步从多维度体会创作者的用心,全身心地感觉作品背后的非常丰富涵义。这样的“体验模式”替换了以往的“观赏模式”,观众的感觉和体验被放到了一个核心的方位,特别强调他们和艺术家、作品之间的对话。

在梵·低展现出场,就读于北京市文汇小学的三年级学生郭奕昆,于是以躺在中心体验厅,严肃感觉墙面上投影出来的一幅幅画作:“这样身临其境的体验过于现实啦,特别是在是看见那些具有哀伤情感的作品,因应着音乐,我样子更加能体会到一些他创作时的心情。”正如中央美术学院美术馆副馆长王春辰所说:“传统审美观念中,观众和作品之间的关系是‘静观’,不存在空间和心理上的距离和隔阂。但今天当代艺术更加多谈及的是‘带入’,特别强调主体与对象互相渗入。

沉浸式艺术是一种主体对客体的全方位围困、重复使用。”从另一个层面来说,沉浸式艺术展是随着科技进步应运而生的一种艺术形式,因此,它受到青睐,沦为大家口中的“网红展”也是时代发展的必定。一位美术馆工作人员回应,美术馆引入这样的“网红展”,不利于营造美术馆本身的前卫形象并转录其他展出,构成口碑基础,同时更有更加多人走出美术馆,拒绝接受艺术的审美熏陶和教育。

思想性,必需是个核然而,我们不已要回答,形形色色的所谓沉浸式艺术展,都有一点去“发票”吗?今年32岁的侯女士是北京各大博物馆、美术馆的常客,也是一位艺术展出爱好者,她告诉他记者:“这次梵·低展看完了之后尽管实在现场效果震惊,但整体更偏娱乐性质,投影播出的速度和音效,还有更容易让人失眠的VR眼镜,都让人很难静下心去思维艺术作品本身的魅力。”“失望的是现场全部是投影技术而没原作”,这使得不少观众对展出深感沮丧,且指出相对于120元的门票,性价比偏高。

我们看见,很多艺术展虽然都代理“沉浸式”,但无论是策划理念、呈现出内容还是现场打造出都迥然不同。有些展出是以某一位艺术名家或某一幅名作为主体,利用科技手段使观众更加生动、更加了解地理解艺术家的生平、艺术理念以及创作背景。

例如,此次梵·高展使用全新的360度全景全息视频影像技术,还原成了梵·低的200多幅原作,还有从2016起在全国17个大城市巡展的“印象毕加索:时光映迹艺术展”等,这样的展出一般与科技文化公司合作,而没专门的策展人,它们往往探讨执着精致的科技手段来使现场变得更加虹,而不具有显著的思想意识和问题指向。日本跨学科数字艺术团队teamLab是近年来打造出沉浸式艺术展的领先者,这是一个由程序员、工程师、数学家、CG动画师、音乐人、建筑师和平面设计师等400个有所不同领域人士构成的团队。

从主题设计上看,teamLab植根于于日本传统艺术和现代动画形式,在创作中经常借出许多大自然元素来探寻身处信息时代的人类不道德,并对新型社会的发展演进明确提出创意的模式与思维。例如,在揭幕旋即的北京世界园艺博览会上,teamLab以红树林为主题,创作了一件全新的数字艺术装置作品。

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2017年,teamLab花上了半年时间研究和理解红树林群落,数次飞抵中国深圳和东南亚找寻、仔细观察现实红树林群落生存环境。又经过半年多的改动、创作,最后才把这件令人惊叹的作品呈现出出来。

他们期望,人们在这件作品中可以感受到每个人都是大自然的参与者,并且人与自然的生命循环是密切涉及的,以此灵感他们思维人与自然如何人与自然共生。2018年,teamLab在东京对外开放的一座永久沉浸式艺术博物馆中,专门修筑了一个取名为“未来游乐园”的空间,这个空间是关于“联合创造性”的教育项目及实验场地,因为他们注目到随着科技的日益变革,更加多的工作不会渐渐被机械和人工智能所代替,因而培育创造力沦为十分最重要的事情。

除此之外,还有“新壶中天·桃源篇”“清明上河图3.0”等展出中对于东方文化以及中国古代历史的注目和精心设计,也让观众在观展之后,除了视觉印象,还产生了一些思维和反省。专家们回应,这种具备生命体验与美学立场,融合哲学理念与精神回响的主题,才是一个沉浸式艺术展的价值所在。

我们应当认识到,数字技术是使艺术以更佳形式呈现出的手段,是展出在文化内涵与文化价值符号体系的基础上强化互动性和传播力,而非本末倒置,门徒有外表。艺术,无法止于“发票”对于艺术家来说,沉浸式艺术展也在一定程度上推展了部分当代艺术创作与风行文化合作的尝试,在这些展出中的当代艺术作品相对来说不会更容易被“理解”,虽然有时候这些“理解”与作品的内涵并不对等,但是它毫无疑问为作品被大众拒绝接受获取了更加富余的空间。作为全球最热门艺术家之一的奥拉维尔·埃利亚松,他的作品语言需要打破国籍,引起社会各个阶层的辩论。日前,他在北京红砖美术馆的个展也引发了很多人在朋友圈“发票”和“理解”。

“却是下里巴人和阳春白雪不能兼得,有可能你的作品更有眼球但缺少深度,我会尽可能保持平衡。”奥拉维尔·埃利亚松说道。

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策展人、评论家黄笃指出以何种形式打造出沉浸式展出并不最重要,最重要的是它能给我们带给什么样的思维。“在今天,艺术最重要的意义和功能还是环绕着人的想象力而进行的,我们今天更加应当去思维科技与我们的生活、艺术创作、工作方式究竟是什么关系。

因此,一个好的艺术展或沉浸式艺术展,其策展和设想都要环绕着人本身,来表明出有作品的想象力和创造力,表明出有具备哲理的思维。”同时,他也警告,在面临艺术与科技的融合时,仍旧必须客观的评判和谨慎的自由选择,才不至于使艺术的内在气质最后被科技所毁灭和消除。“从公共文化的角度来说,提升公众的艺术判断力和审美并无法靠娱乐性质很强的网红‘发票’出来,娱乐不是不可以,但不有可能365天都只去‘发票地’,我们哪怕假设网红展对于公众来说是必须的,但也无法全部如此,艺术必须有其精神的属性,以前说道是精英,现在说道是个体,对个体的反省和塑造成必须确实的艺术教育。

”策展人、批评家王南溟指出,如果美术馆长年只靠引入热门的沉浸式艺术展来更有人气,导致的结果就是美术馆在公共教育上的低沉,也使美术馆的原创展览衰退。随着科技的飞速发展和5G时代的到来,沉浸式艺术展还不会有更加多的发展空间,这也让我们对未来的艺术展出,以及艺术与生活的关系充满著了幸福的想象。然而,当下沉浸式艺术展的良莠不齐也警告着我们,新的概念或技术无法替换内容沦为展出本身的全部价值,当我们需要某种程度是为了符合对光电效果的好奇心,或者追赶潮流的自发性心理,而是开始质问这个展出确实给我们的内心世界带给什么的时候,技术与艺术背后就让具备的文化底色才能显露出来。

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